EXHIBITION # 009
GUY GIRAUD. DANS LA CHUTE LA LUMIERE
26 NOVEMBRE 2009 - 9 JANVIER 2010
Déjà connu dans les cercles d’amateurs comme l’un des plus incisifs parmi les artistes néo-conceptuels français des années ’90, Guy Giraud revient, après plusieurs années d’une recherche aussi fructueuse qu’isolée, avec un travail photographique tout imprégné du calme et du silence dont l’artiste a voulu s’entourer, loin des projecteurs, loin de la scène de l’art: «C'est peu à peu, à mon insu, que la photographie s’est immiscée dans ma vie pour devenir une pratique quotidienne et centrale depuis maintenant cinq ans. Les circonstances, ma façon de vivre à cette époque ont été favorables à l’accueil de ce médium. Je l’ai laissé glisser. Question donc d’ouverture, de ductilité, plus que de raison».
Rossicontemporary accueille la première exposition de ces images. Nous sommes heureux de vous présenter de superbes vues de la nature et d’autres d’un microcosme domestique de fleurs, de plantes et de reflets de lumière sur tissus et velours, verres et porcelaines.
Se disposant naturellement en séquences harmonieuses (mais le choc visuel surgit ça et là), ces images semblent se recomposer devant nos yeux, pour nos oreilles, en une musique intérieure annonçant l’éternelle épiphanie, secrète et intense, de la nature et des objets. Dans la chute, la lumière, nous dit Guy Giraud, qui aime nourrir son art de lectures philosophiques, de Nietzsche à Debord, en passant par les Cinq méditations sur la beauté de François Cheng.
«Je suis attentif à ce qui va surgir dans l’image par le choix de son cadrage. Un découpage du réel qui fera voir ce qu’habituellement on ne voit pas et qui pourtant nous était paradoxalement si familier. Par exemple, dans la photographie des lys japonais (photo reproduite sur le carton d’invitation de l’exposition, n.d.l.r.), ce qui est en jeu dans sa construction même, ce sont des rapports de forces entre des lignes, des formes qui s'arque-boutent, se cabrent, se tendent, se heurtent, se livrent bataille. Une bataille sensuelle.
Entre ce que je suis en tant que sujet et les choses que je montre, j’essaie d’instaurer un certain rapport d’échelle, une harmonie, une poétique qui m’est propre. J’aime les artistes poètes et les philosophes artistes qui fouinent dans le petit, les redoutables «micrologues» comme les appelle le philosophe Peter Sloterdijk, car ils peuvent beaucoup avec très peu et créent de vastes espaces sur une tête d’épingle.»
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Guy Giraud is reeds bekend in een kring van amateurs als één van de meest scherpzinnige Franse neo-conceptuele kunstenaars van de jaren 90.
Na verschillende jaren van zowel vruchtbaar als geïsoleerd onderzoek, komt deze kunstenaar vandaag naar buiten met een fotografisch werk dat baadt in de kalmte en de rust waarmee hij zich wou omringen, ver van de schijnwerpers, ver van de kunstwereld.
“Beetje voor beetje, zonder dat ik mij ervan bewust was, heeft de fotografie zich in mijn leven geïnstalleerd om een dagelijkse en centrale praktijk te worden en dat sinds 5 jaar. De omstandigheden, mijn levenswijze van toen waren voordelig bij de ontvangst van dit medium. Ik heb het laten gebeuren. Kwestie dus van openheid, van smeedbaarheid, meer dan rationaliteit”
Rossicontemporary presenteert de eerste tentoonstelling van deze beelden. Wij zijn trots u deze prachtige natuurbeelden alsook een huiselijke microcosmos van bloemen, planten en weerspiegeling van licht op stoffen, fluweel, glas en porselein te kunnen tonen.
Deze beelden ontvouwen zich op natuurlijke wijze in harmonieuze sequenties (maar de visuele shock steekt hier en daar de kop op). Ze lijken zich samen te stellen voor onze ogen en voor onze oren als een intieme muziek die de eeuwige wedergeboorte aankondigt, geheim en intens, van de natuur en van de dingen.
Dans la chute, la lumière, zegt Guy Giraud, die zijn kunst graag voedt met filosofische lectuur van Nietzsche en Debord tot en met de Cinq méditations sur la beauté van François Cheng.
“Ik ben aandachtig voor wat in het beeld opduikt door de keuze van de cadrage. Het verknippen van de realiteit laat ons zien wat we normaal niet waarnemen en wat paradoxaal gezien nochtans zeer familiair is. Bijvoorbeeld in de foto van de Japanse lelies (foto die gebruikt werd voor de uitnodiging, nvdr) wat in deze constructie belangrijk is, zijn de krachtverhoudingen tussen de lijnen, vormen die overhangen, zich ontvouwen, zich buigen, mekaar raken en met mekaar in conflict komen . Een sensuele veldslag.
Tussen mij als subject en de dingen die ik wil tonen, probeer ik een zekere schaalverhouding en poëtiek, die mij eigen is, aan te brengen. Ik hou van poëtische en filosofische kunstenaars die rondneuzen in het kleine, de geduchte “micrologen” zoals de filosoof Peter Sloterdijk hen noemt, want ze kunnen veel met heel weinig en ze crëeren grote ruimtes op een speldenkop”.
EXHIBITION # 008
COUPS DE COEUR & AUDIOGUIDES
10 OCTOBER- 21 NOVEMBER 2009
Pour marquer la conclusion de sa première année d’activité, la galerie Rossicontemporary a souhaité regrouper en une seule exposition tous les artistes qu’elle soutient et promeut. Coups de cœur & Audioguides présentera des œuvres marquantes de dix-sept artistes belges ou vivant en Belgique, chacun approchant peinture, photographie ou sculpture dans un esprit libre et contemporain. Vous aurez ainsi l’occasion d’apprécier leurs divers talents.
Artistes invités: Jan(us) Boudewijns - Alexandre Christiaens - Michel Couturier - Luc Deleu - Pierre-Etienne Donnet - Robert Dragot - Eleonore Gaillet - Meera George - Alain Geronnez - Guy Giraud - Manfred Jade - Nicolas Kozakis - Wannes Lecompte - Xavier Martin - Thomas Mazzarella - Julien Meert - Eric Van Hove
«Coup de cœur ou l’émotion immédiate et préverbale qui captive le spectateur face à l’œuvre». «Audioguide ou l’instrument d’une approche didactique de l’art, se faisant pas à pas, à l’aide d’une voix préenregistrée». C’est avec un certain plaisir sarcastique que cette combinaison inédite nous est venue à l’esprit un jour d’été. Comme un slogan publicitaire détonant, tant les deux composants semblent se rejeter.
Et pourtant, au fond, ce binôme inattendu n’aurait-il pas quelque consistance sociologique? Il pourrait évoquer deux modes de réception actuels de la création artistique, voire ce que l’homme contemporain demande encore et toujours à l’art: étonnement et surprise, information et connaissance.
EXHIBITION # 007
ERIC VAN HOVE.METRAGRAM SERIES
30 JUNE - 27 SEPTEMBER 2009
Gedurende de zomer 2009 presenteert Rossicontemporary de eerste solotentoonstelling in België van Eric Van Hove, Belgisch kunstenaar en zelfgekozen nomade, zowel uit overtuiging als deel uitmakend van een artistieke attitude. Er wordt een selectie getoond uit de nooit eerder in België vertoonde beelden uit de reeks Metragrammen.
In de lijn die van de Anthropométries van Yves Klein leidt naar de Logogrammes van Christian Dotremont en naar de Levende sculpturen van Piero Manzoni, situeren de Metragrammen van Eric Van Hove zich op het kruispunt van twee media : beeld en schriftuur, foto en kalligrafie.
Metragrammen of het beinkten van de baarmoeder. Of hoe, door het zwart maken met kalligrafische inkt van het hypogastrium (baarmoeder), een symbolische en spiritueel verband te leggen met de oorsprong van de wereld.
In 2005, na vijf jaar kalligrafische studies bij de Japanse meester Hideaki Nagano in Tokyo, voert Eric Van Hove, tijdens een verblijf in België zijn eerste metragram uit op zijn moeder in het salon van zijn ouderlijk huis in de buurt van Leuven. (Métragramme sur une femme Wallonne, Val d'or, Pecrot, Grez-Doiceau, Wallonie). Van de echte moeder naar de allegorische moeder, sindsdien heeft Eric Van Hove deze handeling reeds 52 keer uitgevoerd op evenveel vrouwen uit de vier windstreken, in ver afgelegen gebieden als Polynesië, Finland, Madagascar en Kirgizië. Naar gelang de plek waar de handeling zich afspeelt wordt dit gebaar anders begrepen.
Als hedendaagse allegorie, tussen Vanitas en Memento Mori, tussen portret en zelf-portret, kunnen deze Metragrammen op verschillende wijzen uitgelegd worden. In deze ’queeste’ brengt Eric Van Hove een reeks spirituele, culturele en politieke gegevens over onze snel evoluerende wereld bij elkaar. Een eerste sleutel tot de lezing van dit werk is de titel van elk metragram dat de ‘groep’ waartoe de vrouw waarmee hij op dat moment werkt, de naam van de plek en de datum onthuld.
« Iets wat mij ter harte gaat is het feit dat geen enkel werk in deze reeks fictie is : alle afgebeelde situaties zijn echt en de vrouwen waarmee ik werk zijn enkel zichzelf, in hun eigen culturele en sociale realiteit ; geen enkel « model » (…) Het is een introspectieve kaleidoscoop van klassieke elementen en hedendaagse clichés waarin ethnologische satire, fotojournalistiek, toeristisch voyeurisme, religieuze symboliek en politieke perspectieven mekaar ontmoeten (…). De reeks van de Metragrammen vindt onder andere zijn oorsprong in mijn interesse voor de geschiedenis van de Westerse voorstelling van de niet-Europeanen". (Voor andere teksten van de kunstenaar , zie www.transcri.be)
De conceptuele kunstenaar, dichter en reiziger Eric Van Hove werd in 1975 in Guelma (Algerije) geboren en groeide op in Kameroen. Vandaag leeft hij in Brussel en Tokyo. Na zijn studies aan de Ecole de Recherche Graphique in Brussel bekwam hij een meesterdiploma in de tradionele Japanse kalligrafie aan de Tokiose Gakugeiuniversiteit en in 2008 behaalde hij een PhD aan de Kunstuniversiteit van Tokio. Zijn interventies bestaan keer op keer in de vorm van installaties, performances, videos, fotos en teksten. De Metragrammen zijn een reeks die onophoudelijk wordt aangevuld, een levenswerk.
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Pendant l’été 2009, Rossicontemporary accueille la première exposition individuelle en Belgique d’Eric Van Hove, artiste belge «nomade», par parti pris et par attitude artistique. On pourra découvrir une sélection d’images de la série des Métragrammes, encore peu connue chez nous.
Dans la filière qui, depuis les Anthropométries d’Yves Klein mène aux Logogrammes de Christian Dotremont, voire aux Dactylogrammes de Piero Manzoni, les Métragrammes d’Eric Van Hove se situent au croisement de deux mediums: image et écriture, photographie et calligraphie.
Métragrammes ou encrage de la matrice. Ou comment amener, par le noircissement à l’encre calligraphique de l’hypogastre d’une femme, un lien symbolique et sacré à l’origine du monde.
C’est en 2005, au bout de cinq ans d’études de calligraphie auprès du maitre Japonais Hideaki Nagano à Tokyo, qu’Eric Van Hove, lors d'un passage en Belgique, réalise son premier métragramme sur sa mère dans le salon de la maison familiale près de Leuven (Métragramme sur une femme Wallonne, Val d'or, Pecrot, Grez-Doiceau, Wallonie). De la vraie mère à la mère allégorique, depuis lors Eric Van Hove a répété cet acte 52 fois sur autant de femmes aux quatre coins du monde, dans des lieux aussi éloignés que la Polynésie et la Finlande, Madagascar et le Kirghizstan. Selon l’endroit de la terre où cela se passe, le geste est reçu de manières multiples.
Allégorie contemporaine, entre Vanité et Memento Mori, entre portrait et autoportrait, les Métragrammes s’offrent à différents degrés de compréhension. Eric Van Hove catalyse notamment dans ce pèlerinage toute une série de données spirituelles, culturelles et politiques de notre monde en rapide transformation. Première clé de lecture, le titre de chaque métragramme mentionne le « groupe » de la femme, le nom du lieu, ainsi que la date:
«Un élément qui me tient à cœur est le fait qu’aucun travail dans la série n’est une fiction: toutes les situations représentées sont réelles et les femmes avec lesquelles je travaille ne sont autres qu'elles-mêmes, dans leur réalité culturelle et sociale ; aucun « modèle ». (…) Il s'agit d'un kaléidoscope introspectif d’éléments classiques et de clichés contemporains où se croisent satire ethnologique, photo journalistique, voyeurisme touristique, symbole religieux et perspective politique. (…) La série des Métragrammes trouve entre autre son origine dans mon intérêt pour l’histoire de la représentation occidentale des non européens".
(Pour d’autres textes de l’artiste, voir www.transcri.be )
Artiste conceptuel, poète et voyageur, Eric Van Hove est né à Guelma en Algérie en 1975 et a grandi au Cameroun. Il vit aujourd’hui entre Bruxelles et Tokyo. Après ses études à l’Ecole de Recherche Graphique à Bruxelles, il a obtenu une maitrise en calligraphie Japonaise traditionnelle à l’Université Tokyo Gakugei et en 2008 un PhD à l’Université des Arts de Tokyo. Ses interventions prennent tour à tour la forme d’installations et de performances, de vidéos, de photographies et d’écritures. Les Métragrammes, quant à eux, sont une série en constant devenir, un projet «
EXHIBITION # 006
ALEXANDRE CHRISTIAENS. POST-IT ZONES
28.5 – 27.6 2009
(…) Me voici à Delhi d’où ce soir je prendrai le train pour descendre dans le Gujarat. J’y retrouverai ports, dockers, marins, travailleurs, ferrailleurs, vagues et marées. Et puis, et surtout –je l’espère – cette chose avec laquelle j’aime avancer, les imprévus que je ne connais ni soupçonne. (…)
Ainsi que l’écrit Emmanuel d’Autreppe, critique de la photographie et responsable du Centre de documentation «Les Brasseurs-Annexe» à Liège, l’œuvre d’Alexandre Christiaens constitue, pour sa capacité de «constater, certifier, émouvoir» «l’un des travaux photographiques contemporains les plus passionnants et complexes en Belgique».
Farouchement attaché au medium argentique et aux tirages manuels, tant pour la couleur que pour le noir et blanc, Alexandre Christiaens travaille depuis plusieurs années sur divers fronts récurrents tout au long de ses voyages en Roumaine, en Grèce, en Chine, en Inde: l’urbanisation galopante, le métissage de la vie naturelle et de la friche industrielle, mais aussi les grottes, les nocturnes et les marines. Autant de «Post-It Zones», ou thèmes de prédilection.
Tout se tient dans ce travail: si les images des grottes captent un temps universel, sans début ni fin, où au bout d’interminables prises de vue, la caméra parvient à séparer la lumière de l’obscurité la plus dense, les travaux qui se présentent sous le nom de «Paysages portuaires, voyages et escales», sont une façon de refaire surface après la quête des origines. Ville en transformation, bateaux sillonnant les mers, océans en mouvement expriment alors l’idée du transit ou l’image d’une solidité douteuse.
Pour cet artiste, ébéniste de formation, autrefois plasticien et sculpteur, pratiquant l’aïkido, l’action est un besoin et «photographier engage tout le corps». Il en ressort une photographie de très grand impact visuel, presque physique, mais qui sait dialoguer comme peu d’autres avec «l’inconnu, l’impénétrable, l’indéfinissable», notamment la mer et le ciel.
C’est «un savant dosage, précisément – ou plutôt une intense confrontation – d’ordre et de désordre», comme écrit d’Emmanuel d’Autreppe dans le beau texte qui accompagne l’exposition. Tout se joue dans la dualité de densité de la matière et de légèreté des airs, d’obscurité et de lumière, ou encore, de profonds silences vis-à-vis de l’activité frénétique des hommes et des machines.
«Des déambulations passagères d’un voyageur débordé du monde», Alexandre Christiaens résume ainsi l’histoire de ses images. Son goût pour l’accident et le non-maîtrisé, pour la rencontre imprévue nous disent beaucoup sur le courage et sur la difficulté de sa démarche. Des images qui ne veulent pas saisir l’instant décisif, mais qui se situent plutôt dans un temps suspendu, ouvert sur ce qui précède et ce qui suit.
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“Hier ben ik dan in Delhi waar ik vanavond de trein neem om af te stappen in de Gujarat. Ik vind er havens, dokwerkers, zeelui, ijzerhandelaars, golven, eb en vloed en bovendien - en vooral - hoop ik, dat waarin ik vooruit wil gaan : het onvoorziene dat ik niet ken ,nog vermoed…”
Zoals Emmanuel D’Autreppe fotocriticus en verantwoordelijke van het documentatie centrum “Les Brasseurs/Annexe” in Luik schrijft, is het werk van Alexandre Christiaens omwille van zijn vermogen om “waar te nemen, te bevestigen en emotie op te wekken” “een van de meest gepassioneerde en complexe hedendaagse fotowerken in België”.
Met overtuiging gebonden aan de praktijk van de analoge fotografie en met de handgemaakte afdrukken, zowel in kleur als in zwart- wit, werkt Alexandre Christiaens sinds meerdere jaren op verschillende terugkerende fronten, tijdens zijn reizen in Roemenie, Griekenland, China en Indie: de galoperende urbanisatie, de verweving van het natuurlijke en het industriële leven, maar ook de grotten, nacht- en zeezichten. . Evenveel Post-It Zones, of lievelingsthemas.
Alles houdt steek in dit werk: enerzijds vatten de beelden van de grotten een universele tjid, zonder begin nog eind (waar na de oneindige opnames de camera erinslaagt het licht van de meest intense duisternis te scheiden), anderzijds de werken die zich onder de naam “Paysages portuaires, voyages et escales “ worden voorgesteld, zijn een manier om terug in de realiteit te komen. Steden in ontwikkeling, boten die deinen op zee, oceanen in beweging, drukken op die manier het idee van de doorreis, of het beeld van een twijfelachtige stabiliteit.
Voor deze kunstenaar, meubelmaker van opleiding, voorheen beeldende kunstenaar en beeldhouwer, beoefenaar van aikido, is beweging een noodzaak en “fotograferen gebeurt met het ganse lichaam”. Het resultaat is een fotografie met een zeer groot visueel impact, haast fysisch, maar dat in dialoog treedt zoals weinig andere beelden met “het onbekende, het ontoegangelijke, het ondefinieerbare” zoals de zee en de lucht.
“Het is een bedachte dosering of eerder een intense confrontatie van orde en chaos” zoals Emmanuel D’Autreppe in zijn tekst schrijft die de tentoonstelling begeleid. Alles speelt zich af in de dualiteit tussen de dichtheid van de materie en de lichtheid van luchten, duisternis en licht, of nog in de diepe stiltes tegenover het frenetieke gejakker van mens en machines.
“Voorbijgaande zwerftochten van een reiziger die door de wereld is overweldigd “ zo vat Alexandre Christiaens de geschiedenis van zijn beelden samen. Zijn zin voor het toeval en het onbeheerste, voor de onverwachte ontmoeting vertellen ons veel over de moed en de moeilijkheid van zijn strategie. Beelden die niet het “beslissende moment” willen grijpen maar zich eerder bevinden in het tijdsvacuum, open voor alles wat voorafging en wat volgt.
EXHIBITION # 005
LUCKY TRAPEZIUM. FOUR PAINTERS IN GOOD SHAPE
JAN(US) BOUDEWIJNS, LIEVEN HENDRIKS, WANNES LECOMPTE, XAVIER MARTIN
24 APRIL - 23 MAY 2009
Avec l’exposition Lucky Trapezium, Four Painters in Good Shape Rossicontemporary a voulu présenter au public bruxellois l’œuvre de quatre jeunes peintres contemporains - trois belges et un hollandais.
Dès le début du projet, la forme géométrique du trapèze a semblé exprimer parfaitement la rencontre de ces quatre langages picturaux différents mais complémentaires, mais elle dit aussi le défi de les montrer tous simultanément dans le petit espace trapézoïdal de la galerie.
Ici, les quatre peintres ont exploité les murs en largeur et en hauteur, comme dans un moderne cabinet d’amateur de tableaux, dans une confrontation voulue entre «empires puissants mais amis». Un peu comme quatre fenêtres donnant sur des saisons différentes. Le résultat en est un accrochage serré et concis, où ces quatre approches de la peinture, sans aucune concession aux tendances tape à l’œil et aux effets faciles, développent une silencieuse réflexion sur la peinture, sa spécificité, son essence.
Et quand on arrive à réunir quatre peintres pur-sang en un espace épuré et baigné d’une magnifique lumière froide du nord, on est en droit de se dire chanceux, voire heureux: Le «Trapezium» a alors mérité l’appellation de «Lucky».
Dans ses œuvres, Lieven Hendriks (Amsterdam, 1970) réintroduit subtilement le concept de trompe l’œil. Au lieu de miser sur des effets hyperréalistes, il le rajeunit et le transforme en une image autre où la figuration propre au trompe l’œil semble se dissoudre en images abstraites de grande force visuelle. C’est là une approche intellectuelle très fine de ce problème éminemment pictural: la peinture met en scène l’illusion et se réserve le droit de la dévoiler, si elle le souhaite. Un hollandais dans le pays de Magritte, ou la première exposition en galerie de Lieven Hendriks en Belgique.
Xavier Martin (Séoul, 1974), Prix de la jeune peinture en 2003, montre ici une série de 11 nouveaux petits tableaux, des paysages. C’est une peinture qui tend au monochrome, où une vibration de couleur, une touche de pinceau ou un brin d’image reconnaissable créent la sensation du paysage, sa profondeur, son atmosphère. C’est une approche résolument minimaliste où tout est suggéré plus que dit. Beaucoup de classe et d’élégance chez ce peintre qui continue à surprendre pour le contrôle qu’il sait s’imposer sur tous ses instruments. Les tons bruns, verts et mauves, les ambiances vaguement orientales qu’il aime susciter en hommage à ses origines, lui valent la reconnaissance d’une grande originalité et une place de premier plan dans le panorama de la peinture belge actuelle.
L’artiste gantois Jan(us) Boudewijns (1977) crée ses peintures sur des panneaux signalétiques. Si les dernières années, il avait réalisé un joyeux langage de formes mi-abstraites mi-naturalistes sur ses signaux tantôt carrés, tantôt ronds, tantôt rectangulaires, la nouvelle série, qu’il montre ici pour la première fois, isole des images de la route – trottoirs, passages piétons, rotondes…-. Le signal devient ici miroir qui isole et intensifie, comme si sur les panneaux on ne voyait reproduite qu’une image essentielle de la route elle-même et de ses composants. À proprement parler, Jan(us) Boudewijns ne peint pas. D’après ses dessins, des films autocollants sont découpés au laser puis assemblés par l’artiste sur la surface métallique du signal. C’est là la grande réussite de cette série qui recrée, de manière tout à fait inédite et avec des matériaux industriels, le climat de la meilleure peinture belge, de Khnopff à Tuymans, en passant par Raoul De Keyser. Un art de grande sensibilité qui ne doit pas passer inaperçu.
Wannes Lecompte (1979), le plus jeune des quatre artistes, évolue librement dans une dimension expérimentale, à la recherche de nouvelles frontières pour sa propre peinture, pour la peinture. Pour ce faire il met en jeu le hasard, l’invite à collaborer, à remplacer le «goût» du peintre ou à lui dicter la voie. Autour du hasard, Wannes Lecompte conçoit des systèmes qu’il teste ensuite sur la toile pour que l’image picturale en sorte renouvelée et rafraîchie. La série qu’il présente chez Rossicontemporary se compose de toiles tendues sur le châssis seulement sur deux côtés. À la lumière de l’atelier, les plis et les ondulations de ces toiles ont indiqué des ombres. Le peintre a peint suivant leur tracé. La peinture est alors ce que le hasard a voulu, à un moment et en un lieu donné. L’effet est d’une grande délicatesse, et raconte à l’œil attentif un amour aussi retenu que total pour le «moindre» acte pictural.
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Met de tentoonstelling Lucky Trapezium, Four Painters in Good Shape wil Rossicontemporary het Brusselse publiek confronteren met het werk van vier jonge hedendaagse schilders - drie Belgen en één Nederlander.
Vanaf het begin van dit project leek de geometrische vorm van het trapezium perfect de ontmoeting tussen vier verschillende maar eveneens complementaire schilderstijlen uit te drukken. Het is evenwel ook de uitdaging om die te tonen in de kleine trapezoidale ruimte van de galerie.
De vier schilders hebben de ruimte gebruikt in de hoogte en in de breedte , als een modern schilderijenkabinet, in een gewilde « titanenclash » maar evengoed onder vrienden. Het resultaat is een strenge en beredeneerde ophanging waarin vier benaderingen van de schilderkunst, zonder enige concessie aan gemakkelijke effecten en opzichtigheid een verstilde reflectie over de schilderkunst, haar specificiteiten en essentie mogelijk maken.
En als je vier rasechte schilders kan verzamelen in een uitgepuurde ruimte die baadt in een prachtig koud noorderlicht dan mag je aan « Trapezium » het begrip « Lucky » koppelen.
Lieven Hendriks (Amsterdam, 1970) herintroduceert op subtiele wijze het begrip » trompe l’œil » In plaats van te mikken op hyperrealistische effecten, verjongt en vervormt hij het beeld waardoor de figuratie eigen aan « trompe l’œil’ » lijkt op te lossen in sterk visueel abstracte beelden. Het is een fijne intellectuele benadering van een gekend picturaal probleem : hoe de schilderkunst de illusie in scène zet en zich voorbehoudt haar te ontsluieren als zij dat wenst.
Een Nederlander in het land van Magritte, of de eerste galerietentoonstelling van Lieven Hendriks in België
Xavier Martin (Seul, 1974), toont hier een serie van 11 nieuwe, kleine schilderijen, landschappen. Het is een schilderkunst die naar het monochrome neigt, waar een kleurvibratie, een borstelstreek of een even herkenbaar brokje werkelijkheid de sensatie van het landschap, van zijn diepte, zijn atmosfeer weergeeft. Het is een duidelijke minimalistische benadering waarin meer wordt gesuggereerd dan getoond.
Een werk van heel wat klasse en elegantie bij deze schilder die blijft verrassen en in het gebruik van bruine, groene en paarse tonen en de vage oosterse sferen als hommage aan zijn origines een originele bijdrage levert tot de hedendaagse Belgische schilderkunst.
De Gentse kunstenaar Jan(us) Boudewijns (1977) maakt zijn schilderijen op signalisatieborden. De voorbije jaren heeft hij een vrolijk spel van half abstracte, half naturalistische vormen ontwikkeld, nu eens op vierkante, dan weer ronde of rechthoekige borden.
Zijn recent werk, dat hier voor het eerst getoond wordt , toont beelden van de weg –stoepen, voetgangerszones, rotondes… Wat we te zien krijgen zijn geisoleerde, versterkte en geabstraheerde fragmenten van de werkelijkheid.
Om eerlijk te zijn, Jan(us) Boudewijns schildert niet. Van zijn tekeningen worden zelfklevende films gemaakt die daarna door de kunstenaar op metalen signalisatieborden worden gekleefd.
Het grote welslagen van deze reeks bestaat er in dat de kunstenaar op een zeer eigen wijze en met de hulp van industriële materialen er in slaagt het beste van de Belgische schilderkunst van Khnopff tot Tuymans, en zeker ook Raoul De Keyser in zijn werk te betrekken.
Wannes Lecompte (1979), is de jongste van de vier. Hij evolueert vrij binnen een experimentele dimensie op zoek naar nieuwe grenzen voor zijn eigen schilderkunst, voor de schilderkunst. Daarin betrekt hij het toeval, nodigt het uit tot samenwerking, laat het keuze en wil van de schilder bepalen. Rond het toeval ontwikkelt Wannes Lecompte systemen die hij daarna uittest op doek om een nieuw en fris beeld te bekomen. De reeks die hij bij Rossicontemporary toont zijn doeken die slechts aan twee kanten op het raam zijn opgespannen.
In het licht van het atelier, geven de plooien en golven in het doek hun eigen schaduw weer. De schilder brengt dan in dat spoor zijn verf aan. Het schilderij wordt daarbij volledig onderworpen aan het toeval, op een gegeven tijdstip en plaats. Het resultaat is van een grote verfijnheid en reveleert voor het aandachtige oog een zowel ingehouden als totale overgave voor de «geringste » picturale daad.
EXHIBITION # 004
STEFAN SERNEELS. L’URGENCE DE L’INCONNU
19.3 - 18.4 2009
Rossicontemporary a le plaisir de vous convier le jeudi 19 mars à 18 h dans son espace rue de Praetere (Bascule, Uccle) au vernissage de l’exposition personnelle de Stefan Serneels, l’un des peintres les plus talentueux de la nouvelle scène belge. À voir: deux encres de Chine géantes, huit pièces choisies de format moyen et une série de 40 dessins au crayon de dimensions plus réduites.
En heureux équilibre entre peinture et signe graphique, c’est à l’encre noire que Stefan Serneels peint et dessine à la fois, dans un registre et un medium qui font penser à Léon Spilliaert. Et, en effet, Spilliaert est un artiste exemplaire sur lequel Stefan Serneels a longtemps médité et avec qui il partage bien plus qu’une simple similitude de moyens techniques.
L’urgence de l’inconnu, titre de cette exposition, exprime parfaitement l’élan vital qui anime la recherche de Stefan Serneels, toujours en quête d’une spontanéité totale du geste pictural, dans le petit comme dans le grand format. Dans l’atelier, assidûment, Stefan Serneels apprend à gérer les noirs intenses de l’encre et ses tonalités de gris, pour les mettre au service de figures en fluide métamorphose sur le papier; il y apprend surtout à exploiter les potentialités du blanc de la feuille et à les utiliser en éclats de lumières qui rythment les compositions de signaux abstraits.
L’urgence de l’inconnu est aussi pour Stefan Serneels le goût véritable de ce théâtre de l’absurde qu’il met en scène. Regarder ses œuvres (encres, dessins, mais aussi sculptures et vidéos), c’est entrer dans une réalité fictionnelle, un temps bloqué, où des objets et des lieux autrefois domestiques sont subitement traversés par le rêve, comme dans un éternel déjà vu. Tension et suspens règnent entre portes, balustrades et rampes d’escalier de maisons devenues «magiques». Peut-être ces maisons (où même les ombres font peur) sont-elles celles que chacun de nous porte en soi dès l’enfance.
Stefan Serneels se passionne pour le film noir, les thrillers, les horror movies. La perspective comme symptôme pictural de la peur. L’urgence de l’inconnu comme rencontre et catharsis de soi.
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Rossicontemporary nodigt U uit op donderdag 19 maart vanaf 18 uur voor de opening van de solotentoonstelling van Stefan Serneels, één van de meest talentvolle schilders van de nieuwe Belgische scène. Er worden tentoongesteld twee grote en acht midden formaat werken op papier en een serie van 40 potloodtekeningen van kleinere dimensies.
In een geslaagd evenwicht tussen schilder- en tekenkunst, werkt Stefaan Serneels met zwarte inkt, met een techniek die ons doet denken aan Léon Spilliaert. Stefaan Serneels heeft lang gemediteerd op deze kunstenaar en er bestaan tussen hen meer vergelijkingen dan een éénvoudig gebruik van hetzelfde medium.
L’urgence de l’inconnu, titel van de tentoonstelling, drukt perfect de zoektocht uit van Stefaan Serneels naar een totale spontaniteit van de picturale beweging. Met volharding, zoekt Stefaan Serneels in zijn atelier naar het expressieve potentieel van het intense zwart en de grijze tonaliteiten van de inkt om ze dan ten dienste te stellen van figuren in fluïde metamorfose op het papier. Hij experimenteert vooral de kracht van het wit van het blad als taal van abstracte signalen die de compositie ritmeren.
L’urgence de l’inconnu is voor Stefan Serneels ook de weerspiegeling van het absurde theater dat hij in scene brengt. Naar zijn werken kijken (tekeningen, schilderijen maar ook sculpturen en video’s) is binnentreden in een fictieve realiteit waar de tijd stilstaat, waar de huiselijke objecten en plaatsen zijn doorkruist door de droom zoals in een eeuwige déjà vu. Spanning en suspens heersen tussen de deuren, de balustrades en trapleuningen die een magische dimensie krijgen. Misschien zijn deze huizen (waar zelfs de schaduwen angst aanjagen) degenen die ieder van ons sinds zijn kindertijd in zich draagt.
Stefaan Serneels is gepassioneerd door horror movies en de film noir. Het perspectief als picturaal angstsymptoom. Het binnendringen van het onbekende als ontmoeting en catharsis van zichzelf.
kwaliteitsnormen voldoen, nodigt Rossicontemporary U uit om onze galerij regelmatig te bezoeken om zo de hedendaagse kunst te blijven volgen en te ontdekken.
EXHIBITION # 003
PENCIL TOWERS, STONE FISH, RISING SUNS, GHOSTS, AURAS AND OTHER DELICIOUSLY EMERGING ENTITIES. (THINGS THAT APPEAR ARE GENERALLY FRIENDLY, BUT THEY TEND TO ESCAPE US)
5.2 - 14.3 2009
A propos de tourelles en forme de crayon et autres levers de soleil
Personne ne sait ce qu’est l’aura d’une œuvre d’art. Le terme vient hélas d’un brillant auteur qui avait l’habitude de penser en écrivant de sorte que ses textes sont difficiles non seulement parce que l’homme était tellement intelligent, mais aussi parce qu’il exposait les choses de manière si pénible et équivoque qu’elles en devenaient encore plus énigmatiques et incompréhensibles qu’elles ne semblaient l’être au départ. Heureusement cela ne dérange que les gens qui veulent tout comprendre. Il s’agit apparemment de ceci: les choses peuvent se dresser devant notre nez et en même temps nous sembler insaisissables, comme si elles étaient très éloignées. Ou au contraire elles sont très lointaines, mais en même temps elles nous prennent à la gorge. Lorsque nous nommons quelque chose une crise, nous savons que cette appellation n’enlève rien à la nature inconnaissable et incontrôlable des apparences que nous croyons percevoir. Le grand critique Roger Fry a exprimé cela en ces termes: « Si je devais expliquer comment il est possible qu’une œuvre d’art éveille dans notre cœur et dans notre esprit quelque chose de plus grand, alors je devrais devenir mystique. Je préfère alors ne rien expliquer ».
Chacun des cinq artistes réunis pour cette exposition est, de manière passionnée et subtile, préoccupé par le faire artistique. Bart Lodewijks dessine à la craie sur des façades, fragilement, le dos tourné aux habitants du quartier qui lui demandent des explications et l’invitent aussi à faire des dessins dans leur maison. Faites connaissance avec ce dandy délicat et généreux. A partir de ses dessins, la ville se profile, avec son architecture et ses habitants. Tamara Van San fait des sculptures singulièrement libres qui, comme le dirait Tarkowski, ont un effet poétique, émouvant et parfois inquiétant, parce qu’elles semblent être le miroir de la réalité qui nous entoure, incongrue, se régénérant et se dépassant continuellement. À travers ses dessins, ses films et ses sculptures, Fia Cielen évoque l’image d‘une réalité qui semble pouvoir changer d’aspect sans répit. Lieven Segers touche, dans ses dessins et divers autres travaux, à ce lieu secret où l’obscur rencontre le rigolo. Par ses interventions piquantes comme des coups d’épingle, Stijn Van Dorpe oblige notre monde à décrocher légèrement.
Frank Maes et moi-même sommes heureux que Francesco Rossi ait mis à disposition le bel espace de sa nouvelle galerie afin de rendre possible cette rencontre.
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Over potloodtorentjes en andere zonsopgangen
Niemand weet wat het aura van een kunstwerk is. Jammer genoeg is de term afkomstig van een briljant auteur, die de gewoonte had al schrijvend te denken, zodat zijn teksten niet alleen moeilijk zijn omdat de man zo slim was, maar ook omdat hij alles nogal sukkelachtig en dubbelzinnig uiteenlegt en de dingen daardoor nog raadselachtiger en onbegrijpelijker maakte dan ze voordien al leken te zijn. Gelukkig is dit alleen jammer voor mensen die alles willen begrijpen. Waar het om lijkt te gaan is dit: de dingen kunnen voor onze neus staan en toch onvatbaar lijken, alsof ze heel ver weg zijn. Ofwel zijn ze ver weg, maar grijpen ze ons met echte handen bij de keel. Wij noemen iets een crisis, maar we weten dat die naamgeving niets afdoet aan de onkenbaarheid en de stuurloosheid van de verschijnselen die we menen waar te nemen. De grote criticus Roger Fry formuleerde het als volgt: ‘Als ik moet verklaren hoe het mogelijk is dat een kunstwerk iets groters in ons hart en in onze geest lijkt op te roepen, dan moet ik een mysticus worden. Daarom verklaar ik liever niets.’
De vijf kunstenaars die wij ter gelegenheid van deze tentoonstelling hebben samengebracht zijn elk afzonderlijk op een gedreven en fijnzinnige manier bezig met het maken van kunst. Bart Lodewijks tekent met krijt op gevels, kwetsbaar, met zijn rug gericht naar de onbekende buurtbewoners, die hem aanspreken en hem uitnodigen ook binnenshuis tekeningen te maken. Maak kennis met een delicaat dandy (iemand die het elegante struikelen beheerst), op zoek naar heldere weerstand, graag gevend. Vanuit zijn tekeningen doemt de stad op, met haar architectuur en haar bewoners. Tamara Van San maakt wonderlijk vrije sculpturen die, zoals Tarkovski het uitlegt, een poëtische, ontroerende en soms verontrustende werking hebben omdat ze een spiegel lijken te zijn van de incongruente, zichzelf voortdurend vernieuwende en overstijgende werkelijkheid die ons omringt. Fia Cielen roept met haar tekeningen, films en sculpturen het beeld op van een werkelijkheid die onafgebroken van gedaante lijkt te veranderen. Lieven Segers tast met zijn tekeningen en andere werken naar de geheime ontmoetingsplek van het duistere en het hilarische. Met zijn speldenprik-achtige, gevoelige interventies trekt Stijn Van Dorpe onze wereld lichtjes uit zijn haak.
Frank Maes en ikzelf zijn blij dat Francesco Rossi zijn nieuwe, mooie galerieruimte heeft aangeboden voor het mogelijk maken van deze ontmoeting.
EXHIBITION # 002
LUC DELEU. WORKS 1974-2008
27.11.2008 – 24.1.2009
La galerie Rossicontemporary a le plaisir de présenter au public bruxellois une sélection d’œuvres anciennes et récentes de Luc Deleu (1944), l’une des figures les plus originales et les plus marquantes de la scène artistique belge contemporaine.
Diplômé en architecture en 1969, Luc Deleu a développé au fil des années un discours urbanistique personnel et original dans le but de concevoir des modèles «démocratiques» pour la ville de demain. Après une quarantaine d’années de travail, Luc Deleu et son bureau T.O.P. Office poursuivent encore et toujours leur idéal avec cohérence et liberté. Si un réseau de liens et rappels se tisse sans cesse entre les différentes phases et projets, l’œuvre de Deleu apparaît surtout comme un crescendo spectaculaire dans sa volonté de confrontation avec des phénomènes de plus en plus complexes. Manifestes et propositions théoriques pour la ville, surprenantes sculptures monumentales, projets d’infrastructures, conception de villes entières…le tout scandé par des voyages d’étude par terre et par mer. Dans le passage continu entre le proche et le lointain, entre le minuscule et le gigantesque, Luc Deleu donne libre cours à sa soif de spéculation intellectuelle.
A ses débuts, vers 1970, alors qu’il œuvre dans le contexte très ouvert de l’art contemporain où les disciplines se croisent dans un esprit expérimental, Luc Deleu approche de manière très polémique les rouages de la pratique architecturale. Déjà dans son Manifeste Orbaniste de 1980, il met les architectes et les urbanistes face aux problèmes qui s’annoncent: accroissement exponentiel de la population mondiale, rétrécissement de l’espace disponible, menace d’épuisement des ressources, nécessité de recyclage des produits et des structures existantes. Il donne le nom d’Orbanisme à cette architecture globale qu’il envisage et il avance une série de propositions aux accents libertaires pour que la ville soit un lieu de démocratie pour tous ses habitants - humains, animaux, végétaux: il imagine des vergers urbains, la protection des mauvaises herbes, les midis sans circulation automobiles, les transports publics comme patrimoine par excellence….
Dans les années 80, sous le nom d’Echelle & Perspectives, Luc Deleu réalise des interventions sculpturales au moyen des grues et des pylônes à haute tension qu’il couche au sol, créant ainsi des effets de perspective inédits. C’est la «teneur en maquette» des choses qui le passionne, car elle lui permet le saut vers les terres vierges de la théorie.
Toujours dans les années 80, à côté de sculptures à partir de conteneurs (dont il fait des ponts, des arcs ou des monuments), il développe des projets d’infrastructures (le TGV à Bruxelles, l’arrivée du TGV à Anvers et bien d’autres) dans lesquelles se précise l’idée que le bien public doit être pensé comme la colonne vertébrale de la ville afin de garantir une grande qualité de vie à ses habitants et à ses visiteurs.
Dans les années 90, fort critique à l’égard du para-urbanisme des promoteurs privés aussi bien qu’envers l’intérêt presque exclusif des architectes moderniste pour l’habitation, Luc Deleu amplifie sa recherche théorique. Il commence une longue collecte et une classification minutieuse de données, de chiffres et d’informations qui débouchent sur ce qu’il appelle La Ville Inadaptée. Au bout d’un nombre important de déductions et calculs relatifs au besoin en infrastructures de «l’organe urbain» (effectués dans le cadre des projets Usiebenpole et Halfweg), il parvient à définir un générateur de structure urbaine, le DOS. Celui-ci, continuellement mis à jour car toujours «inadapté» à la réalité changeante, lui permet de générer des modèles de villes de tailles différentes qu’il appellera Brikabrak, Dinkytown, Octopus, NotforYou, Vipcity. Bien que différents l’un de l’autre, ces modèles évoquent la possibilité de villes à développement linéaire, en ponts superposés, où le trafic automobile est organisé au sous-sol, où le sol est réservé à la nature et au temps libre, et où les transports en commun sur rail en hauteur deviennent, tant au niveau symbolique que visuel, l’élément unificateur de la ville et de ses services.
Depuis 2006, le travail du T.O.P. Office est entré dans une nouvelle phase, «planétaire». Dans une présentation graphique très élaborée et originale, Orban Space est une étude approfondie de l’espace public dans le monde entier. Un autre «tour du monde» a commencé…
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Met genoegen toont de galerij Rossicontemporary een selectie van oud en recent werk van Luc Deleu (1944), een van de meest originele en toonaangevende figuren van de artistieke scène, aan het Brusselse publiek.
Afgestudeerd als architect in 1969, heeft Luc Deleu in de loop der jaren een persoonlijk en origineel stedenbouwkundig discours ontwikkeld met de bedoeling “democratische” modellen voor de stad van morgen te bedenken. Na ongeveer veertig jaar zetten Luc Deleu en zijn bureau T.O.P. office hun streven nog steeds coherent en in alle vrijheid verder. Altijd zit er een netwerk van verbanden en verwijzingen verweefd in de verschillende fasen en projecten, maar het werk van Deleu lijkt vooral een spectaculair crescendo, ontstaan vanuit de wil om de confrontatie aan te gaan met steeds complexere fenomenen. Manifesten en theoretische voorstellen voor de stad, verrassende monumentale sculpturen, infrastructurele projecten, ontwerpen voor volledige steden... dit alles ondersteund door studiereizen te land, ter zee en in de lucht. Door de voortdurende wisselwerking tussen het nabije en het verre, tussen het minuscule en het reusachtige, laat Luc Deleu zijn dorst naar intellectuele speculatie de vrije loop.
In het begin, rond 1970, toen hij werkte in de zeer open context van de hedendaagse kunst waar de verschillende disciplines elkaar ontmoeten in een experimentele sfeer, benadert Luc Deleu het raderwerk van de architectuurpraktijk op een zeer polemische manier. Al in zijn Orbanistisch Manifest van 1980 confronteert hij de architecten en stedenbouwkundigen met de problemen die zich aankondigen: exponentiële groei van de wereldbevolking, de inkrimping van de beschikbare ruimte, de dreiging van uitputting van de grondstoffen, de noodzakelijkheid om producten en bestaande structuren te recycleren. En hij geeft deze globaal gedachte architectuur in wording de naam Orbanisme. In die jaren poneert Luc Deleu een serie voorstellen met libertaire accenten om van de stad een democratische plaats te maken voor al haar inwoners – mensen, dieren, planten: hij denkt aan stadsboomgaarden, bescherming van het onkruid, verkeersvrije middagen, openbaar vervoer geklasseerd als monument...
In de jaren 80, realiseert Luc Deleu onder de noemer Schaal & Perspectief sculpturale interventies met behulp van kranen en hoogspanningsmasten die hij plat op de grond legt, wat ongekende effecten van perspectief oproept. Het is de “dimensie maquette” die hem fascineert omdat die het hem mogelijk maakt de sprong naar de onbetreden paden van de theorie te wagen.
Nog altijd in de jaren 80, en naast containersculpturen (waarmee hij bruggen, poorten of monumenten bouwt) ontwikkelt hij infrastructurele projecten (de TGV voor Brussel, het TGV-station voor Antwerpen en vele andere), waarmee hij de idee naar voor wil brengen dat het algemeen belang moet gezien worden als de ruggengraat van de stad, om aan haar inwoners en bezoekers een grote levenskwaliteit te bieden.
In de jaren 90, zeer kritisch tegenover het para-urbanisme van de privé-projectontwikkelaars zowel als tegenover de bijna exclusieve interesse van de modernistische architecten voor de huisvesting, breidt Luc Deleu zijn theoretisch onderzoek verder uit. Hij begint een langdurige inzameling en minutieuze classificatie van data, cijfers en informatie die uitmonden in wat hij La Ville Inadaptée noemt. Aan het eind van een belangrijk aantal berekeningen en afleidingen met betrekking tot de behoefte aan infrastructuren van het “stedelijk orgaan”, zie Usiebenpole en Halfweg, komt hij tot de definitie van een generator van stedelijke structuur, D.O.S. Deze, voortdurend up to date, want altijd “onaangepast” aan de steeds veranderende realiteit, laat hem toe stadsmodellen van verschillende grootte te genereren die hij Brikabrak, Dinkytown, Octopus, Not4You, Vipcity zal noemen. Alhoewel verschillend van elkaar, roepen deze modellen de mogelijkheid op van lineaire ontwikkelingen, met opeengestapelde bruggen, waar het autoverkeer ondergronds verloopt, het maaiveld voor de natuur en voor de vrijetijdsbesteding voorbehouden wordt en waar het openbaar vervoer, over een monorail in de hoogte, zowel symbolisch als visueel verheven wordt tot het element dat de stad en haar diensten verenigt.
Sinds 2006 is het werk van T.O.P. office in een nieuwe “planetaire”, fase beland. In een zeer uitgewerkte en originele grafische presentatie, is Orban Space een doorgedreven studie van de publieke ruimte over heel de wereld. Een andere “wereldreis” is begonnen...
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The gallery Rossicontemporary is pleased to present a selection of early and recent works of Luc Deleu (1944), a leading and one of the most original personalities of the Belgian artistic scene.
Since he graduated in Architecture in 1969, Luc Deleu has developed a highly personal and unique urbanistic discourse with the intention to create “democratic” models for the city of tomorrow. After approximately forty years of activity, Luc Deleu and his studio T.O.P. Office continue pursuing their ideals with coherence and independence. While a network of connections and recollections continue intertwining with the different phases of his work and projects, Deleu’s work appears above all to be an increasingly spectacular crescendo aimed at confronting ever more complex phenomena. Manifestos and theoretical proposals for the city, suprising monumental sculptures, infrastructural projects, concepts for entire cities ... all marked by study trips on land, at sea and in the air. By the continuous interaction between the near by and the distant, the tiny and the gigantic, Luc Deleu gives free play to his thirst for intellectual speculation.
In the 1970’s, while working in an open context of contemporary art characterised by experimental interactions between a variety of artistic disciplines, Luc Deleu approaches the mechanisms of architectural practice in a very polemic way. Already in his Orbanistic Manifesto of 1980, he confronts architects and urban planners with the problems to come : exponential increase of global population, shrinking of available space, threat of exhaustion of natural resources, necessity of recycling products and existing structures. And he calls this architecture on a global scale Orbanism. In those years, Luc Deleu makes a series of proposals with libertarian accents aiming at making the city a democratic place for all its inhabitants – humans, animals, plants: he thinks of urban orchards, the protection of weeds, traffic-free lunch-times, public transport classified as heritage ...
Throughout the 1980’s, Luc Deleu creates sculptural interventions called Scale & Perspectives using cranes and high-tension pylons which he lays on the ground, creating unknown effects of perspective. It is the “dimension of model” that fascinates him because this allows him to walk the unbeaten tracks of theory.
During the same period, in addition to container sculptures (with which he builds bridges, arches or monuments), he develops infrastructural projects (the high-speed train for Brussels, the high-speed train station for Antwerp and others), with which he wants to introduce the idea that the public interest must be considered the backbone of the city, so as to provide its inhabitants and visitors with a high quality of living.
During the 1990’s, very critical toward the “para-urbanism” of private real estate developers and the almost exclusive interest for housing of modernist architects, Luc Deleu continues developing his theoretical research. He starts a long collection and meticulous classification of data, numbers and information, resulting in what he calls The Unadapted City. After an important amount of calculations and deductions with respect to the need for infrastructure of the “urban organ”, cfr. Usiebenpole and Halfweg, he develops a definition for a generator of urban structure, the “D.O.S.”. This generator, always up to date because always “unadapted” to the ever changing reality, allows him to generate city models of different dimensions, which he will call Brikabrak, Dinkytown, Octopus, Not4You, Vipcity. Though different, these models evoke the possibility of linear developments, with superposed bridges, where car traffic is underground, the ground level is reserved for nature and leisure and where public transport, over an elevated monorail, is symbolically as well as visually upgraded as the element that unites the city and its services.
Since 2006, the work of T.O.P. office has reached a new, “planetary” phase. In a very elaborate and original graphic presentation, Orban Space is a thorough study of public space all over the world. Another “journey around the world” has begun..
EXHIBITION # 001
MANFRED JADE. NEW PORTRAITS
18.9 – 22.11 2008
« Mes photos sont libres de toute narration, de tout message, de toute composition, sans aucun des trucs usuels de la photographie. Je ne me suis jamais vu comme un photographe. Je n’ai jamais éprouvé le besoin de faire des images, ou de contribuer à la pollution sans fin que produit l’information.
Pour moi, prendre une photo est un acte presque religieux. Je veux être prudent. Mon discours ne concerne ni la réalité ni la subjectivité ni l’objectivité. Pour moi, réalité et spectateur, monde intérieur et monde extérieur, ne font qu’un.
Mes photos ont un caractère méditatif, proche du Zen ; leur propos est d’arrêter le temps, de produire un calme profond en opposition à l’acte de saisie de l’image. Mes photos neutralisent la mentalité de la précipitation : elles sont contemplation pour un esprit éclairé.
J’utilise la série et la répétition, mais pas dans un but documentaire. Je me vois faire des portraits toute ma vie sans chercher l’innovation, mais plutôt la perfection ».
Pour son exposition d’ouverture, la galerie Rossicontemporary est heureuse de présenter au public bruxellois le travail récent du photographe allemand Manfred Jade (Düsseldorf, 1961).
Depuis la moitié des années 90, c’est dans les métropoles d’Europe et d’Amérique Latine que Manfred Jade réalise ses portraits de jeunes filles et de jeunes garçons. Que ce soit à Barcelone ou à Odessa, à La Havane ou au Brésil, il installe son atelier ambulant dans des centres culturels, des écoles ou des lieux privés. Sa procédure est simple et classique : négatif 6 x 8, éclairage direct, figure isolée sur un fond blanc ou noir, en position frontale.
C’est là une distanciation esthétique savamment cultivée, une approche de l’image résolument minimaliste, comme si celle-ci ne pouvait atteindre sa pleine puissance qu’après une soustraction progressive de tout ce qui est superflu. De son atelier Manfred Jade bannit le contingent, la monumentalité, la mise en scène, le regard intimiste ou documentaire…
Tout est alors prêt pour que cette rencontre avec l’autre puisse avoir l’intensité d’un moment de vérité. Le paradoxe est là : comment obtenir une image intemporelle mais à haute densité corporelle, ou, autrement dit, comment atteindre en même temps le maximum d’abstraction et le maximum de présence physique. Il n’est pas alors sans intérêt de savoir que la magie des portraits romano-égyptiens du Fayoum constitue une référence fondamentale du travail de ce photographe allemand sorti de l’école des Becher.
Manfred Jade se dit mû par une grande curiosité pour les personnes. Il ne vise pas à réaliser un portrait socioculturel de la jeunesse contemporaine, ni un travail « ethnique » sur les identités. Son travail, méditatif et profond, est une quête presque obsessionnelle de l’énigme du visage au moment où éclot la personnalité (et son corollaire de sensualité). Manfred Jade connaît la discipline nécessaire pour capturer cet instant.
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« Mijn foto’s zijn zonder verhaal, zonder boodschap, zonder compositie, zonder de typische trucjes van fotografie. Ik heb mezelf nooit bekeken als een fotograaf. Ik heb nooit de behoefte gehad om beelden te maken of bij te dragen aan de oneindige vervuiling van de informatiestroom.
Voor mij is een foto nemen bijna een religieuse daad. Mijn werk gaat niet over realiteit, niet over objectiviteit of subjectiviteit. Voor mij zijn de werkelijkheid en de toeschouwer, de binnenwereld en de buitenwereld, één.
Mijn foto’s hebben een meditatief karakter dicht bij Zen, met de bedoeling om de tijd stil te zetten, om een diepe rust te produceren in tegenstelling tot de actie om het beeld vast te leggen. Mijn foto’s neutraliseren de mentaliteit van de gehaastheid. Ze zijn de contemplatie voor een verlichte geest.
Ik gebruik de serie en de herhaling maar niet voor een documentair doel. Ik zie mij mijn ganse leven portretten maken zonder op zoek te gaan naar innovatie maar eerder naar perfectie »
De nieuwe galerij Rossicontemporary stelt aan het Brusselse publiek de openingstentoonstelling voor van recente werken van de Duitse fotograaf Manfred Jade (Dusseldörf, 1961).
Sinds het midden van de jaren negentig, realiseert Manfred Jade zijn portretten van jonge meisjes en jongens in Europese en Zuid-Amerikaanse metropolen. Hij installeert zijn ambulant atelier in culturele centra, scholen of privé verblijven in Barcelona, Odessa, Havana of Brazilië… Zijn manier van werken is eenvoudig en klassiek: negatief 6 x 8, directe belichting, geïsoleerde figuren op een witte of zwarte achtergrond, in frontale positie.
Het is een sterk gecultiveerde estetische distanciëring, een resoluut minimalistische benadering van het beeld alsof het beeld zijn volledige kracht pas kan bereiken nadat al het overbodige op een progressieve manier is weggelaten. In zijn atelier verwerpt Manfred Jade het dagelijkse detail, de enscenering, de monumentaliteit, de intimistische en dokumentaire blik.
Alles is dan klaar opdat de ontmoeting met de andere een moment van waarheid kan worden. De paradox: hoe kan je een tijdloos beeld bekomen met een hoge lichamelijke dichtheid, of anders gezegd, hoe kan je op hetzelfde moment een maximum van abstractie en van fysieke aanwezigheid bereiken. Het is niet zonder belang te weten dat de Romeins-Egyptische Fayoum-portretten een fundamentele referentie zijn in het werk van deze Duitse fotograaf opgeleid aan de school van Bernd & Hilla Becher.
Manfred heeft een grote nieuwsgierigheid naar mensen. Zijn doel is niet om een sociocultureel portret te realiseren van de hedendaagse jeugd nog om een etnisch werk te maken over identiteiten. Zijn werk, meditatief en verdiept is een bijna obsessieve zoektocht naar het raadsel van het gezicht op het moment dat de personaliteit - met zijn corollarium van sensualiteit - naar buiten komt. Manfred Jade bezit de gave en de discipline om juist dit moment op te vangen.