CURRENT EXHIBITIONS 

CATHY COËZ
THE COLOURS OF NEW YORK

FR
« Dans le roman de John Dos Passos Manhattan Transfer (1925), les multiples références à la couleur que fait l’auteur sont grandioses et passionnantes. J’ai eu envie de rendre visible cet aspect de l’écriture de Dos Passos et c’est ainsi que ma série de tirages The Colours of New York a commencé. Les romans, nouvelles ou poèmes de différents auteurs qui l’ont nourrie se déroulent tous à New York, tout comme Manhattan Transfer. 

Pendant ces lectures, je notais page après page toutes les couleurs mentionnées ; je les ai ensuite converties en rectangles colorés. Leur ordre dans les grilles ainsi obtenues respecte la chronologie de chaque récit. Tant pour ces cellules rectangulaires colorées que pour les compositions qui les réunissent, le format vertical s’est imposé initialement car New York est la ville de la verticalité.

Le titre de chaque œuvre est le prénom de l'auteur du livre en question - une manière de maintenir un lien avec la littérature. »

EN
“In John Dos Passos' novel Manhattan Transfer (1925), the author's many references to color are grandiose and fascinating. I wanted to make this aspect of Dos Passos's writing visible, and that's how my series The Colours of New York began. The novels, short stories and poems by different authors I read form the basis of this series of prints. They are all set in New York, as is Manhattan Transfer.

During these readings, I wrote down page after page all the colors mentioned; I then converted them into small colored rectangles. Their order in the grids thus respects their moment of appearance in the stories. For both the colored cells and the compositions that bring them together, the vertical format seemed the obvious choice, as New York is the city of verticality.

The title of each work is the first name of the writer of the respective book - a way of maintaining a link with literature.”

ÉLÉONORE GAILLET
LES RITOURNELLES

FR
« Si, en travaillant, je pense à la vie, je dois faire attention à ne pas me décourager. Ne pas penser à mon statut social, ne pas penser à mon statut fiscal, ne pas penser à l’état de ma maison, aux repas, aux courses, à tout ce que je devrais faire pour bien faire. Ou plutôt si, j’y pense, et je m’enfonce dans une lutte pour ce qui est vain. Je résiste. J’aimerais gagner en efficacité, et au lieu de ça, je produis un travail de plus en plus dense. Et j’en retire beaucoup de satisfaction. »

La précédente exposition d'Eléonore Gaillet à la galerie remonte à 2013. Les Ritournelles marque le retour de l'artiste, avec de nouvelles œuvres dont une série de peintures sur boîtes de fromage et un ensemble de drapeaux ornés de fils et de perles.

« Ce qui m’intéresse formellement dans le fait d’introduire le drapeau au sein de mes peintures et en broderie, c’est le rapport au permanent mouvant. Comme il est dérisoire de placer un drapeau sur la lune ou aux pôles (ou sur un bâtiment), il est dérisoire de créer, que ce soit en peinture ou en chanson. Les broderies sont cette idée poussée à l’extrême. »

L'artiste utilise des objets du quotidien et des images graphiques pour créer une iconographie percutante et symbolique, déchiffrable par tous. Ces références reflètent un héritage culturel et politique commun où des éléments de la culture populaire sont transposés en œuvres colorées et singulières.

« Avec la broderie, je pousse ma manière à son extrême ; travail minutieux et très long, points et détails si ténus qu’ils en deviennent presque invisibles, noyés dans la masse infinie des possibles. »

Dans ses broderies, l’artiste collecte et superpose des matériaux trouvés - logos, symboles, emblèmes - et les enrichit de couture, de textiles et d'emballages de toutes sortes.

« Les peintures sont des mises en abîme plus loquaces où la notion d’espace et celles de rêverie/réflexion /cheminement, se déclinent de manière plus ludique. »

Les peintures sur boîtes de fromage, quant à elles, sont travaillées à la pyrogravure, puis à la gouache. Au premier abord, chaque œuvre surprend par sa figuration vive et naïve, puis on découvre la technique raffinée.

« Souvent, j’incorporais des drapeaux, des banderoles et des étendards sur lesquels j’écrivais régulièrement des titres de chansons. »

Le titre Les Ritournelles donne la clé de lecture des œuvres exposées. Chacune reprend le titre ou les paroles d'une chanson célèbre, dans une police de caractère élaborée : Rebel Rebel de David Bowie, I like birds de Eels, White Flag de Dido, et bien d’autres. L’artiste considère ces airs comme des marqueurs anecdotiques de la culture générale. Ils lui reviennent souvent à l'esprit, formant un fond musical en accord avec son imagerie foisonnante.

EN
”If, while working, I'm thinking about life, I have to be careful not to get discouraged. Not to think about my social status, not to think about my tax status, not to think about the state of my house, the meals, the groceries, everything I should be doing. Or rather, I do, and I sink into a struggle for what is pointless. I resist. I'd like to become more efficient, and instead I produce more and more dense work. And I get a lot of satisfaction out of it.”

After her last exhibition at the gallery in 2013, Eléonore Gaillet is back with the solo show Les Ritournelles. Her new work features a series of paintings on cheese crates, as well as a set of flags embellished with beads and threads.

”What interests me formally in introducing the flag into my paintings and embroidery is the relationship with the moving permanent. Just as it's derisory to place a flag on the moon or at the poles (or on a building), it's derisory to create, whether in painting or in song. Embroidery is this idea taken to the extreme.”

Eleonore Gaillet uses everyday, graphic objects/imagery, such as advertisement or sign, in an iconography that is striking, symbolic and decipherable to all. These referential elements are markers of a cultural or political heritage. The artist thus creates generous artworks, evoking the world we live in and elevating or recontextualizing colorful elements of popular culture.

The artist collects and superimposes found materials: logos, symbols, emblems are mended together with textiles, wrappers, plastic and threads. These mediums allow her to work the surface through pyrography, painting, embroidery and sewing.

”With embroidery, I take my technique to the extreme: meticulous, time-consuming work, stitches and details so minute as to be almost invisible, drowned in the infinite mass of possibilities. The paintings are more loquacious mise en abyme, in which the notion of space and reverie/reflection/journey are expressed in a more playful way.”

The geometric patterns, the delicate line-work, the color study are refined, offering a stark contrast to the bright and naïve features of the figuration. As such, each piece takes a long time to realize - an important and cherished element of the Gaillet’s practice. Being able to spend time with her work her to develop each configuration fastidiously in an intricate narration.

”I often incorporated flags, banners and standards on which I regularly wrote song titles.”

Finally, the exhibition rings to a tune: each work features the title or lyric of a song, chosen by the artist as an anecdotal marker. Rebel Rebel by David Bowie, I like birds by Eels or White flag by Dido are inscribed in elaborate fonts. The artist choses them not because she particularly admires the song, but as they pop into her mind relentlessly, as they remind her of the imagery she is rendering, as they play in the background of her making. Her work is thus multidimensional, yielding a sculpture-like form, threading together a rich world inviting us to hum and to marvel.

JÉRÔME POLOCZEK
DEUX DEUX

FR

 « Un jour, un jeune homme prénommé Christian a mis côte à côte deux de ses photos d'identité. Entre elles, des années avaient passé. Lequel des deux était-il ? » 1
Pour son exposition Deux deux, Jérôme Poloczek double aussi ses images. Ce geste conceptuel, il le rend sensuel dans une diversité de techniques (dessin, image imprimée, porcelaine, peinture). Passées par la main, elles troublent la ressemblance. Réalisées l'une après l'autre, elles troublent la permanence, l'identité.

Deux dispositifs (une boîte prête à l'emploi et un descriptif imaginaire) relient l'exposition à la performance. Une manière pour l'artiste, également écrivain, de se rappeler que « l'art est ce qui rend la vie plus intéressante que l'art » 2. Au passage, un hommage est rendu au plasticien Felix González-Torres, pour lequel deux horloges se touchant, synchrones, représentaient des amants parfaits.3

« La nature fournit une image dont il sera donné une représentation. La représentation, au plus près non pas de la nature mais de l'impact de l'image sur le sujet voyant. L'art est de la nature qui pense, il en découle des œuvres, mais pas forcément. Penser, c'est voir, entendre, toucher, imaginer, interpréter, projeter, croire, mentir, ne rien comprendre à rien. J'ai beau me creuser devant l'arbre, je ne parviens pas à le faire parler. C'est déjà beau si je l'entends. La nature s'étend à perte de vue. La nature n'a pas de socle, ses pieds touchent le sol. Un humain sait cacher qu'il aime une personne. Un humain peut fermer les yeux, peut croire. Parce qu'il est capable de se dédoubler. » 4

1 Christian Boltanski, Vitrine de référence, 1971
2 Robert Filliou
3 Untitled (Perfect lovers), 1991
4 Gaëlle Obiégly, N'être personne, Verticales, 2017

Jérôme Poloczek (BE, 1979) est écrivain, plasticien et performer. Formé à la philosophie, il a édité plusieurs collectifs, dont un autour de Guillaume Dustan (‘Dustan/engagement’, 2004), un autre autour d’une heure qui n’existe pas (‘Jamais’, 2011), un autre autour de l’écriture performative (‘Overwriting’, 2009). Outre plusieurs livres entre recherche éditoriale, littéraire et plastique, il a publié en 2017 ‘Autubiographie’, une ‘autobiographie de tout le monde’ écrite à la deuxième personne. En 2021 a paru ‘Presque poèmes’, une poésie qui lors de performances publiques et de vidéos, est transposée en gestes muets. En 2023, sa performance 'Tourne' a été présentée au Palais de Tokyo.

Jérôme Poloczek poursuit également un travail plastique, notamment centré sur la création d’installations à partager (‘Kits pour lutter pour la joie’, 2018, ‘Annonciation (détail)’, 2021). Il a ainsi proposé de manger une partie d’une autre personne, de télétransporter un morceau d’espace, de rendre visite à une tête d’agneau ou, en hommage à Robert Walser, d’avaler une épreuve miniaturée.

Depuis quelques années, il produit également à nouveau des œuvres qui ne disparaissaient pas après leur activation, en cherchant une présence patiente via le dessin, la peinture ou la sculpture. Une manière de répondre par le manuel et la petitesse à la profusion automatisée d'images. Ainsi, il a subi l'influence d'artistes mêlant sensoriel et conceptuel comme Boltanski et González-Torres, d'artistes à l'observation obsessionnelle comme Lucian Freud, mais aussi d'écrivains-plasticiens comme Edouard Levé ou Annie Dillard.

Jérôme Poloczek sort d'une résidence à la Cité Internationale des Arts (Paris) ; en 2026, les livres ‘Catatastrophes’ et ‘C’est presqu’un dieu’ devraient paraître chez Héros Limite et Hélice Hélas ; et un ensemble de performances sera réuni sous une forme longue nommée ‘Ici’.

EN

"One day, a young man named Christian placed two of his ID photos side by side. Years had passed between them. Which one of the two was he?"1

For his exhibition Deux deux, Jérôme Poloczek also doubles his images. He renders this conceptual gesture sensual through a variety of media (drawing, printed image, porcelain, painting). From image to drawing, resemblance is blurred. Made one after the other, the new images disturb permanence and identity.

Two devices (a box and a paper with instructions) link the exhibition to the performative. A way for the artist, who is also a writer, to remember that “art is what makes life more interesting than art”2. In passing, a tribute is paid to the artist Felix González-Torres, for whom two clocks touching, synchronized, represented perfect lovers.3

"Nature provides an image that will be given a representation. The representation is as close as possible not to nature itself, but to the impact of the image on the seeing subject. Art is nature that thinks; it may lead to works, but not necessarily. To think is to see, hear, touch, imagine, interpret, project, believe, lie, understand nothing at all. No matter how hard I try, I can’t make the tree speak. It’s already something if I can hear it. Nature stretches as far as the eye can see. Nature has no pedestal; its feet touch the ground. A human being knows how to hide their love for someone. A human being can close their eyes, can believe. Because we are capable of doubling ourselves." 4

1 Christian Boltanski, Vitrine de référence, 1971
2 Robert Filliou
3 Untitled (Perfect lovers), 1991
4 Gaëlle Obiégly, N'être personne, Verticales, 2017

Jérôme Poloczek (BE, 1979) is a writer, visual artist and performer. Trained in philosophy, he has edited several publications, including one on Guillaume Dustan (Dustan/engagement, 2004), one on an hour that does not exist (Jamais, 2011), and one on performative writing (Overwriting, 2009). In addition to several books on editorial, literary and visual research, in 2017 he published Autubiographie, an 'autobiography of everyone' written in the second person. In 2021, he published Presque poèmes, a poem that is transposed into silent gestures during public performances and videos. In 2023, his performance Tourne was presented at the Palais de Tokyo, Paris.

Jérôme Poloczek also pursues a fine art practice, notably centered on the creation of installations to be shared (Kits pour lutter pour la joie, 2018, Annonciation (détail), 2021). He has thus proposed eating a part of another person, tele-transporting a piece of space, visiting a lamb's head or, in homage to Robert Walser, swallowing a miniature proof.

For some years now, he has also been producing works that don't disappear after activation, seeking a patient presence through drawing, painting or sculpture. A way of responding to the automated profusion of images with the manual and the intimate. In this way, he has been influenced by artists such as Christian Boltanski and Félix González-Torres, who blend the sensory with the conceptual, as well as by obsessively observant artists such as Lucian Freud, and by writer-plasticians such as Edouard Levé and Annie Dillard.

Jérôme Poloczek has just completed a residency at the Cité Internationale des Arts in Paris. Next year, the books Catatastrophes and C'est presqu'un dieu are due to be published by Héros-Limite, Geneva and Hélice Hélas, Vevey; and a series of performances will be brought together in a long form called Ici.